MODA E CULTURAS da Europa. Investigação histórica por Guillaumette Duplaix, Editor Executivo da RUNWAY REVISTA. Foto / Imagens Cortesia: GettyImages / INPI / Louis Vuitton / Dolce Gabbana / Emilio Pucci.
“A moda passa, só o estilo permanece.”
Coco Chanel
A moda como elemento essencial da nossa sociedade
A moda desempenha um papel crucial ao inspirar-se nas culturas, na história e na arte, servindo tanto como ferramenta educacional quanto como fonte de inspiração. Seguir as tendências da moda muitas vezes leva ao surgimento de comunidades com interesses comuns, movendo-se coletivamente na mesma direção.
As principais marcas de luxo passaram anos construindo sua identidade e DNA. Às vezes, contratam diretores criativos fora dos seus círculos tradicionais por razões de marketing ou culturais, com o objetivo de atrair um novo público com uma formação cultural diferente.
Esta abordagem pode parecer atraente à primeira vista, pois introduz ideias novas e uma nova perspectiva. Permite que uma marca se reinvente e permaneça relevante ao longo do tempo. No entanto, também existem riscos associados a esta prática.
Um dos riscos é a diluição da identidade da casa de luxo
Quando um diretor criativo externo é contratado, ele pode trazer uma visão divergente da identidade estabelecida da marca, potencialmente diluindo a essência e a autenticidade da marca. Fãs e clientes fiéis podem sentir-se alienados ou desapontados se os valores e a estética que prezam forem significativamente alterados.
Além disso, a contratação de um diretor criativo externo pode ser vista como uma estratégia puramente comercial que visa atrair novos clientes e aumentar as receitas. Isto pode suscitar críticas e ser percebido como exploração da cultura ou envolvimento na apropriação cultural, especialmente se a marca se baseia fortemente numa cultura específica sem honrar as suas origens e significados profundos.
A ideia de nomear um diretor criativo fora da narrativa tradicional de uma marca de luxo pode parecer promissora, mas é crucial abordar esta prática com cautela. É vital encontrar um equilíbrio entre a inovação e a manutenção da identidade e história da marca, bem como demonstrar sensibilidade cultural para evitar qualquer forma de exploração ou apropriação cultural.
A moda é um evento social.
MODA E CULTURA NA FRANÇA
Vamos explorar a evolução da Louis Vuitton sob a liderança de Virgil Abloh.
Este indivíduo talentoso cumpriu com sucesso sua missão ao atrair um público predominantemente musical, atlético e afro-americano. Isto criou uma nova comunidade de consumidores que exibe a sua afiliação ao grupo através da marca Louis Vuitton. Contudo, esta tendência poderá centrar-se mais na aparência exterior e na exibição de riqueza do que numa compreensão genuína da cultura e do significado da marca.
É crucial que as marcas de luxo preservem o seu ADN e a sua herança cultural enquanto evoluem ao longo do tempo. A prossecução de estratégias financeiras de curto prazo pode por vezes levar à perda de autenticidade e à diluição da identidade da marca.
Refiro-me também ao exemplo de Pharrell Williams, que apresentou designs utilizando peles de animais ameaçados de extinção sem considerar opiniões profissionais. Isto levanta preocupações legítimas sobre como a inspiração pode transformar-se em apropriação cultural, bem como sobre a importância de respeitar a natureza e o ambiente no design de moda.
A moda realmente serve como um canal para a cultura, a educação, a economia e a política. Tem um impacto profundo na nossa sociedade e pode desempenhar um papel significativo na formação das nossas identidades individuais e colectivas. Portanto, é fundamental que as casas de moda estejam conscientes das suas responsabilidades e atuem de forma ética, garantindo a preservação do seu património e ao mesmo tempo adaptando-se às mudanças do mundo contemporâneo.
No entanto, também é importante reconhecer que as opiniões sobre a moda e as suas implicações podem variar. Alguns podem ver estas mudanças como oportunidades de diversificação e rejuvenescimento, enquanto outros podem ter preocupações sobre a manutenção da autenticidade e do significado cultural.
É essencial reconhecer esta diversidade de perspectivas nas discussões sobre moda e promover um diálogo aberto e respeitoso.
A capital da Moda continua sendo PARIS com a Alta Costura
Convido você a explorar esta página no Site do Ministério da Cultura. O Ministério da Cultura apoia a criação, investigação e inovação na moda através do financiamento de organizações e projetos que contribuem para o destaque da moda francesa.
A moda é principalmente uma questão de aparência:
UMA ATITUDE
Na verdade, as roupas surgiram desde os tempos pré-históricos e evoluíram ao longo dos tempos, mas lembremo-nos disto: os primeiros a adotar os códigos de vestimenta foram na corte de Versalhes. Luís XIV e Jean-Baptiste Colbert decidiram fazer da França o principal fabricante mundial de artigos e produtos de vestuário. A indústria do luxo ficou sob a autoridade da coroa.
Isso levou ao surgimento de artesãos renomados como Rose Bertin. A alta costura parisiense se tornaria a herdeira desse fenômeno. Pouco antes da Revolução Francesa, almanaques de moda ilustrados começaram a divulgar a moda parisiense para leitores nas províncias e em toda a Europa.
Isto marcou o nascimento do jornalismo de moda, um veículo crucial para a liberalização do vestuário.
Os estilos extravagantes da corte real francesa levaram a imensas dívidas suportadas pelos contribuintes. Estas despesas excessivas também contribuíram para a reputação manchada de Maria Antonieta, tornando-se mesmo uma das queixas que desencadearam a Revolução Francesa. Muito depois da sua morte, Maria Antonieta continua a ser um importante ícone cultural, simbolizando glamour e riqueza.
Durante a Revolução Francesa, os “sans-culottes” deram às roupas um significado político. A lei de 8 Brumário Ano 2 (29 de outubro de 1793) declarou a liberdade de vestir-se como quisesse, o que prenunciava a democratização do vestuário.
No Segundo Império, foram os britânicos, particularmente Charles Frederick Worth, que foi pioneiro no uso de modelos vivos em Paris. Isso marcou o nascimento da Alta Costura.
Até o século 20, as pessoas faziam suas próprias roupas ou mandavam fazê-las sob medida. Os designers libertaram o corpo feminino do espartilho durante a Primeira Guerra Mundial.
No início do século 20, Jeanne Paquin inventou os desfiles de moda.
Naquela época, havia cerca de vinte casas de alta costura em Paris. Paul Poiret foi o primeiro a “emancipar o corpo da mulher”.
Estes anos foram marcados por uma nova tendência no mundo da moda: a colaboração entre costureiros e artistas visuais. Por exemplo, Elsa Schiaparelli colaborou com o pintor Salvador Dali. A amizade deles levou à criação de uma coleção extraordinária que mesclava estilos artísticos e imaginações vívidas. O famoso “Vestido Lagosta” de 1937 foi uma peça notável que ilustra esta fusão.
Para expandir o seu alcance, a moda formou alianças com sucesso com a fotografia e o cinema. Em 1930, Coco Chanel fechou um acordo com Samuel Goldwyn para desenhar roupas para as estrelas da United Artists.
Paris é considerada a capital global da moda, uma afirmação evidenciada pelas inúmeras boutiques de moda espalhadas pela cidade. O mundo abraça a moda francesa junto com sua cultura. Hoje, ocorrem intercâmbios culturais entre países e casas de moda de luxo, resultando em resultados magníficos.
Por quê?
A palavra “cultura” é fundamental em ambos os contextos.
Se o sistema “cultural” hoje adotado pelas grandes casas de luxo for baseado na história, na sensibilidade, no respeito, etc., formam-se conexões naturais. Por outro lado, se esta abordagem for puramente orientada para o marketing (para dar-lhe a sua verdadeira interpretação), ela é rejeitada pela comunidade “usada”.
MODA E CULTURA NA ITÁLIA
O nascimento da moda italiana e do “Made in Italy”
A história da moda italiana remonta à Idade Média com o surgimento das primeiras oficinas de tecelagem e tinturaria. Nesse período, os tecidos mais preciosos foram importados do Oriente e as oficinas italianas especializaram-se na produção de têxteis requintados e de elevada qualidade. A marca “Made in Italy” originou-se desta tradição artesanal e do artesanato italiano, que ajudou a moda italiana a se destacar no cenário internacional. Ao longo dos séculos, os designers italianos continuaram a inovar e a desenvolver novos estilos, inspirando-se tanto na cultura renascentista como na mediterrânica.
Roma, Florença e Milão simbolizam a economia da moda italiana
Alta Costura Romana
O sucesso da moda em Roma durante o pós-Segunda Guerra Mundial foi o resultado de um processo de excelência que começou na década de 1870, após as convulsões socioeconómicas que abalaram a cidade a partir de 1871, quando se tornou a capital de Itália. A chegada da família real, dos gabinetes governamentais, das embaixadas, dos comerciantes e dos pequenos empresários derrubou a hierarquia dominada pelas antigas e poderosas famílias aristocráticas, abrindo caminho para uma nobreza menos conservadora e, mais importante, para uma burguesia urbana com novos valores culturais e estilos de vida. e padrões de consumo. Essa nova classe social criou uma demanda específica por itens e acessórios de alta costura, atraindo os artesãos mais habilidosos. Vindo de outras cidades italianas, estabeleceram suas oficinas na capital ou ali abriram filiais.
A primeira “couturière” a criar uma moda independente dos padrões parisienses não foi um costureiro em sentido estrito, mas uma artista: Maria Monaci Gallenga (1880-1944), que via o design de vestuário como uma síntese perfeita entre as artes plásticas e a pintura. Em 1915, ela apresentou suas primeiras criações na exposição Terza secessione Romana e na Exposição Internacional Panamá-Pacífico em São Francisco, onde foi premiada com um Grande Prêmio. Desse ponto até 1935, os designs de Maria Gallenga desfrutaram de amplo sucesso em toda a Europa e nos Estados Unidos, culminando em 1925 com um Grande Prémio atribuído pelo júri internacional na Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas em Paris. Com seus esforços, Roma começou a “exportar” pela primeira vez as criações da moda feminina italiana. Em 1928, após abrir uma filial em Florença, a Sra. Gallenga abriu uma casa em Paris, na Rue Miromesnil, ativa até 1934. Seu sucesso encorajou outros designers nas décadas de 1920 e 1930 a romperem com Paris, estimulados pelo clima cultural e político de a era.
Após a Segunda Guerra Mundial, a moda romana alcançou sucesso internacional. A crise da alta costura parisiense e uma maior consciência do seu potencial levaram os costureiros romanos a romperem com Paris de uma vez por todas. O mercado americano contribuiu significativamente para este sucesso. Com efeito, com o fim do conflito, Roma tornou-se um destino turístico internacional, especialmente para mulheres americanas ricas que começaram a descobrir e apreciar a criatividade das suas casas de moda, formando a maior parte da sua clientela.
Simonetta, uma aristocrata da família Visconti di Cesarò, que abriu uma oficina em 1946, foi a primeira costureira romana a chamar a atenção do mercado americano. O design moderno de suas peças e a praticidade as tornaram adequadas para a produção em massa, alinhando-se às linhas de roupas das lojas de departamentos do outro lado do Atlântico. Consequentemente, muitos de seus designs foram adquiridos e reproduzidos pelas lojas americanas Bergdorf Goodman e Marshall Field's.
O evento de destaque que trouxe a alta costura romana para o centro das atenções foi o casamento da estrela americana Tyrone Power com a atriz Linda Christian, celebrado em Roma em 27 de janeiro de 1949. As fotos do casal, publicadas nas primeiras páginas dos principais jornais europeus e As revistas americanas exibiram o luxuoso vestido da noiva criado pela casa Sorelle Fontana e o traje de banho do noivo desenhado por Domenico Caraceni. Naquele dia, o mundo testemunhou o talento dos costureiros romanos e, mais importante, a moda romana cimentou a sua relação com o cinema de Hollywood.
Na verdade, foi no início da década de 1950 que os vastos e bem equipados estúdios da Cinecittà (fundada em 1937) começaram a receber diretores e atores americanos que trabalhavam em filmes produzidos por grandes estúdios dos EUA, principalmente Metro Goldwyn Mayer, dando a Roma o apelido de “Hollywood”. no Tibre.”
Enquanto os atores descobriam a alfaiataria perfeita dos ternos Caraceni e Brioni, as atrizes tornaram-se clientes regulares das casas de moda romanas. Fernanda Gattinoni desenhou roupas para estrelas como Ingrid Bergman e Lana Turner, bem como para as embaixadoras americanas Clara Boothe Luce e Eva Peron.
Emilio Schubert desenhou para a Imperatriz da Pérsia, Soraya, e inúmeras atrizes, incluindo a estrela italiana Sofia Loren.
Esther Williams patrocinou o ateliê do jovem Roberto Capucci, que, com sua linha “a scatola” com volumes esculturais e abstratos, ganhou o Oscar da moda de 1958, concedido pela loja de departamentos Filene's de Boston. No ano seguinte, o prêmio foi para Irene Galitzine, criadora do famoso pijama palazzo – mistura perfeita de modernidade e alta costura, que Jaqueline Kennedy adorava.
O estúdio Sorelle Fontana era frequentado por estrelas e primeiras-damas como Audrey Hepburn, Liz Taylor e Jaqueline Kennedy, mas Ava Gardner gostava particularmente de seus designs, escolhendo Sorelle como figurinistas para a maioria dos filmes em que estrelou.
Florença e a afirmação da moda italiana 1951-1970
O lançamento definitivo da moda italiana no cenário internacional ocorreu no início da década de 1950, graças aos desfiles de moda de Florença organizados no Palazzo Pitti pelo Marquês Giovanni Battista Giorgini. Este momento crucial não foi o resultado de esforços institucionais, mas sim do dinamismo de um indivíduo. Giorgini aproveitou sua ampla experiência comercial e uma vasta rede de contatos e relacionamentos desenvolvidos no gerenciamento de compras nas principais lojas de departamentos americanas. Ele foi o primeiro a reconhecer e promover os elementos inovadores e atraentes da alta costura italiana no principal mercado internacional da era pós-guerra, o mercado americano.
Em Florença, e na Toscana de forma mais ampla, havia um tecido artesanal vibrante, um legado medieval de tradições industriais e comerciais. A cidade, com a sua imagem de testemunho vivo da arte e cultura do Renascimento italiano, foi uma grande atração para o turismo internacional. Durante várias décadas, Florença tornou-se um ponto de referência da moda italiana, graças ao sucesso e renome internacional de empresas e casas de moda locais como Salvatore Ferragamo (fundada em 1927), Guccio Gucci (fundada em 1921) e Emilio Pucci. Em 1947, Salvatore Ferragamo recebeu o Prêmio Neiman Marcus, semelhante ao Oscar da moda, concedido por uma das maiores lojas de departamentos americanas a designers e profissionais de moda.
O dia 12 de fevereiro de 1951, data do primeiro desfile coletivo de moda italiana organizado por Giorgini, é considerado não apenas a data oficial de nascimento da moda italiana, mas também o início do rótulo “Made in Italy”, marcando o reconhecimento internacional da criatividade e do artesanato italiano. excelência. O desfile aconteceu nos salões de sua residência na Villa Torrigiani, acompanhando os acontecimentos de Paris. Na presença de seis dos principais compradores americanos, treze casas de moda italianas apresentaram os seus designs: nove oficinas de alta costura de Roma e Milão e quatro casas de moda boutique.
Entre eles estava Pucci, o único costureiro local. Os convidados americanos ficaram entusiasmados e os cinco jornalistas italianos presentes garantiram grande visibilidade ao evento. A consagração definitiva ocorreu em julho de 1951, durante a segunda edição do evento, onde o número de grifes italianas participantes aumentou de treze para quinze e o número de modelos expostos passou de 180 para 700. Além disso, a presença de compradores disparou de seis para mais de 300. Para acomodá-los, os shows foram transferidos para um novo local, o Grand Hotel.
Giorgini apostou numa característica crucial desde o primeiro desfile: a estreita ligação entre as criações da moda italiana e a herança das tradições artísticas e artesanais do passado, para as quais só a cidade de Florença poderia oferecer o cenário ideal. Assim, para a sua quarta edição, em julho de 1952, a transferência do evento para a Sala Bianca do Palazzo Pitti completou a visão de Giorgini, estabelecendo Florença como a capital da moda italiana e a vitrine perfeita para a nova aliança entre moda, arte e tradição. A encenação de Giorgini foi fundamental para o sucesso, com a sua singular runway setup, organização de eventos sociais paralelamente aos desfiles e destaque das malhas, moda boutique e acessórios como verdadeiras novidades em relação à alta costura francesa.
No entanto, a alta costura teve o seu dia e o seu declínio foi tanto um fenómeno social como de mercado. Surgiu um novo paradigma da moda, menos elitista e menos aristocrático, onde não eram mais os escalões superiores da sociedade que ditavam e moldavam as normas da moda; em vez disso, tornou-se responsabilidade de classes com posições culturais e sociais mais modestas. Giorgini estava perfeitamente consciente disso, melhor posicionado do que ninguém para testemunhar a diminuição do brilho dos eventos, tanto em termos de participação da grife como de envolvimento de compradores e da imprensa.
Apesar destes desafios, continuou a organizar os desfiles sem falhar, sempre sob a bandeira da inovação com os primeiros modelos de pronto-a-vestir (1956), roupa adolescente (1962) e lingerie feminina (1964). Facilitou a estreia de novas marcas de moda italianas como Lancetti (1961) e Valentino (1962) para alta costura, e Krizia e Mila Schön para a categoria “boutique”. No entanto, em 1965, enfrentando dificuldades e deserções contínuas, Giorgini decidiu renunciar, abrindo mão do controle e da organização dos eventos. Sua aposentadoria marcou o declínio do Palazzo Pitti e particularmente de Florença no cenário internacional.
A retirada de alguns dos nomes mais proeminentes da alta costura nacional e o foco crescente na moda boutique corroeram gradualmente o prestígio e a imagem dos desfiles florentinos, reduzindo-os a apenas uma “festividade de feira”. Apesar da expansão dos eventos no Palazzo Pitti, que a partir de 1972 viu nascer a primeira edição do “Pitti Uomo”, dedicado ao vestuário e acessórios masculinos, seguido do “Pitti Bimbo” em 1975, do “Pitti Filati” em 1977, e finalmente “Pitti Casual” em 1978 para roupas esportivas de lazer, e “Pitti Casa”, a década de 1970 viu Florença se transformar em um centro de exposições. O encerramento da Sala Bianca em 1982 e o fim definitivo dos eventos “Pitti Donna” em 1984 estabeleceram irrevogavelmente Milão como o novo centro do pronto-a-vestir e do estilo italiano.
Milão e o design de moda
A ascensão de Milão ao estatuto de capital internacional do pronto-a-vestir começou em meados da década de 1970, impulsionada por um grupo de jovens designers que decidiram afastar-se dos desfiles de Florença e apresentar as suas próprias coleções em Milão. A imprensa internacional rapidamente se apercebeu do evento, especialmente porque coincidiu com o vigésimo quinto aniversário do nascimento da moda italiana.
Ao escolher Milão, os designers escaparam de Florença, que se tornou um símbolo de restrições que sufocavam a criatividade e os negócios. Longe do Palazzo Pitti, eles poderiam selecionar os compradores de forma mais criteriosa, apresentar livremente coleções maiores que o limite de vinte modelos imposto nos desfiles coletivos de Florença e escolher o cenário que melhor destacasse suas coleções individuais.
Em 1981, apenas alguns anos após estes começos provisórios, o principal jornal financeiro italiano dedicou pela primeira vez um artigo aos “desfiles de moda sofisticados que atraíram a atenção de grandes compradores em todo o mundo para Milão”, reconhecendo o papel da cidade na liderança da renovação da moda italiana. Os designers que impulsionaram a capital lombarda para a vanguarda do cenário da moda internacional foram educados em colaboração com grandes empresas industriais e aprenderam a tornar-se empreendedores e gestores da criatividade.
Dolce & Gabbana: o símbolo da elegância italiana
Fundada em 1985 por Domenico Dolce e Stefano Gabbana, Dolce & Gabbana é uma das principais marcas de moda italiana.
Conhecida por seu estilo glamoroso e ousado, a Dolce & Gabbana cativou celebridades e entusiastas da moda em todo o mundo. A primeira coleção da marca, apresentada durante a Semana de Moda de Milão em 1986, destacou-se pela originalidade. Os designs da Dolce & Gabbana inspiram-se na cultura italiana e celebram motivos tradicionais, como flores, frutas e animais. Dolce & Gabbana também foi uma das primeiras marcas de moda a usar redes sociais media para promover suas coleções. Com redes sociais inovadoras media campanhas, a marca alcançou um público mais amplo e construiu uma base de clientes fiéis. Hoje, a Dolce & Gabbana opera globalmente e oferece uma gama diversificada de produtos, desde alta costura e artigos de couro até acessórios e fragrâncias.
MODA E CULTURA NA INGLATERRA
A clássica “moda inglesa” ou “estilo britânico” existe desde o século XIX. O designer William Morris, o pai do movimento Arts & Crafts, originou um “estilo inglês” distinto que ainda hoje caracteriza a moda clássica inglesa.
A era vitoriana, marcada pela ascensão de Alexandrina Vitória de Kent, filha do Duque de Kent, assinalou o surgimento de uma monarquia mais moderna e sintonizada com as aspirações da sociedade do que a do seu tio. Durante o seu reinado, a Grã-Bretanha viu numerosos avanços, particularmente na indústria, ciência e tecnologia, mas também enfrentou desafios após o governo da Rainha Vitória com o declínio do Império Britânico como uma potência global sob os reinados de Jorge IV e Guilherme IV. A Rainha Vitória deixou uma marca duradoura na história com as suas preferências e vida ligadas a este período significativo.
Durante o reinado da Rainha Vitória, desde a sua ascensão em 1837 até à sua morte no final de Janeiro de 1901, a Grã-Bretanha passou por transformações em todas as áreas, incluindo nas nações que eram protectorados ou colónias britânicas durante este período, formando a Commonwealth. O império estendeu-se muito, com a Rainha Vitória como Imperatriz da Índia, dominando os mares a partir do seu trono.
Muitas pessoas associam o período vitoriano ao romance, à elegância e a uma época passada que reflete a inocência de uma época anterior à imensa convulsão cultural do século XX.
Moda vitoriana inspirada na Rainha Vitória
A moda da época foi fortemente influenciada pela própria Rainha Vitória. Sua Majestade foi conhecida como um ícone de estilo durante todo o seu reinado, e seu estilo pessoal foi frequentemente imitado pelas mulheres em Londres. Isso definiu as tendências, que inicialmente eram mais leves e coloridas no início de seu reinado e se tornaram mais austeras e góticas durante o período de luto.
As mulheres usavam roupas como vestidos longos e justos com anáguas por baixo para criar um efeito volumoso. Eles preferiam vestidos elegantes, espartilhos e botas. Botas com botões, botas sem cadarço e botas com cadarços eram características dessa época.
Durante as décadas de 1840 e 1850, os vestidos femininos apresentavam ombros estreitos e caídos, cinturas apertadas em um triângulo apontando para baixo e saias em formato de sino. As roupas íntimas incluíam um espartilho, uma saia até o tornozelo e várias camadas de anáguas com babados. Por volta de 1850, o número de anáguas diminuiu à medida que as crinolinas se tornaram populares, ampliando o tamanho das saias. Os vestidos de dia tinham corpete liso, enquanto os vestidos de noite eram decotados, deixando os ombros nus. Essas roupas normalmente eram completadas com um xale e luvas que se estendiam logo acima do cotovelo.
A década de 1860 viu as saias achatadas na frente e arredondadas nas costas. O traje diurno geralmente incluía mangas pagode e golas altas adornadas com rendas frívolas. Os vestidos de noite, com decote profundo e mangas curtas, eram usados com luvas curtas ou de crochê. A partir da década de 1870, os vestidos de interior tornaram-se menos estruturados, dispensando os espartilhos para ocasiões informais, e as anquinhas substituíram as crinolinas.
No final do século 19, os estilos de roupas tornaram-se mais simples: anquinhas e crinolinas saíram de moda e os vestidos eram usados com menos firmeza. Os espartilhos permaneceram, mas foram alongados, dando às mulheres uma leve silhueta em forma de S. As saias assumiam o formato de trombeta, ajustavam-se confortavelmente aos quadris, eram apertadas na cintura e alargavam-se acima dos joelhos. Ao mesmo tempo, as linhas de roupas projetadas para esportes tornaram-se populares, atendendo a atividades como ciclismo, tênis e natação.
Os homens da época normalmente usavam ternos de três peças com jaquetas longas e calças justas. Trajes elegantes e distintos, como sobrecasacas e cartolas ou chapéus-coco, eram muito populares. Os acessórios também foram fundamentais, com gravatas-borboleta, luvas e lenços dando um toque de sofisticação a cada look.
Em 1807, a produção em massa de roupas nas fábricas e a sua venda nas lojas a preços fixos começaram a acelerar. A costura doméstica ainda era comum, mas começou a declinar. Novas máquinas mudaram a forma como as roupas eram feitas.
A introdução da máquina de costura em meados do século XIX, que permitiu o ponto fechado, simplificou a confecção de peças tanto em casa como nas lojas. Esse avanço mecânico tornou mais fácil a aplicação de várias decorações complexas que eram difíceis de fabricar manualmente. As máquinas de fazer rendas reduziram significativamente o custo das rendas, tornando-as mais populares.
Entre os novos materiais vindos de terras distantes do Império Britânico estava a borracha, usada na fabricação de botas de borracha e casacos Mackintosh. Os químicos desenvolveram corantes sintéticos que eram mais brilhantes e duráveis que os naturais.
Chapéus
Durante as primeiras décadas da era vitoriana, saias volumosas sustentadas por estruturas inferiores eram o elemento central do traje feminino. Os chapéus, projetados para complementar a silhueta sem distrair, permaneceram modestos tanto em tamanho quanto em aparência. O gorro “invisível”, usado durante o final do período da Regência, com sua aba circular refletindo o formato de sino das saias, acabou se alongando a ponto de obscurecer o rosto do usuário.
Em 1870, à medida que as silhuetas se tornavam mais finas, os chapéus encolhiam e ficavam empoleirados na testa. Os penteados tornaram-se mais complexos, com postiços enrolados adicionando volume ao cabelo natural.
No final do período, a silhueta da moda lembrava um triângulo vertical, e os chapéus de abas largas entraram em voga. Esses chapéus eram ricamente adornados com arranjos de flores de seda, fitas e penas exóticas, a mais cobiçada das quais vinha de pássaros quase exterminados nos Everglades, na Flórida.
Steampunk – a versão de fantasia da era vitoriana
A era vitoriana, marcada por tecnologias avançadas como a ferrovia, é um período favorecido para o movimento Steampunk. Motores a vapor, engrenagens e todos os tipos de mecanismos são temas centrais… As invenções e tecnologias modernas são reinventadas, o que é a essência do Steampunk.
As joias durante o reinado da Rainha Vitória eram muitas vezes feitas à mão
Os artesãos na Grã-Bretanha eram frequentemente procurados para confeccionar broches, anéis e colares, muitas vezes encomendados como presentes, refletindo um nível significativo de habilidade artesanal. Por outro lado, algumas jóias também eram fabricadas em fábrica, utilizando técnicas básicas sob a supervisão de um joalheiro experiente, servindo o proletariado como força de trabalho para a produção.
As joias da era vitoriana costumavam ser altamente ornamentadas, apresentando inúmeras pedras preciosas e configurações complexas. As joias de luto também estavam na moda durante o período vitoriano, incluindo peças de camafeu e joias feitas de pêlos humanos ou de animais. Os vitorianos menos ricos usavam materiais mais baratos, como vidro e madrepérola, mas essas peças permaneciam elegantes e decorativas.
O estilo das joias vitorianas é bastante distinto, caracterizado pelo uso de azeviche, diamantes e coral. Tende a ser pesado e ornamentado, transmitindo uma impressão de riqueza e luxo. Embora o estilo vitoriano possa parecer um pouco antiquado aos olhos modernos, ele continua muito popular, com muitas empresas oferecendo joias de reprodução inspiradas em peças vitorianas genuínas.
Nomeada em homenagem à Rainha Vitória, que reinou no século 19, a moda vitoriana é conhecida por suas saias longas, rendas intrincadas e corpetes de gola alta. Embora criar uma roupa de inspiração vitoriana possa parecer trabalhoso, o resultado realmente vale a pena. Adicionar alguns elementos mecânicos ou combiná-lo com acessórios como uma cartola pode causar uma impressão marcante.
Botas vitorianas
As botas vitorianas com cordões eram particularmente populares entre as mulheres e seu estilo único ainda é apreciado hoje. Reproduções autênticas geralmente são feitas com os mesmos materiais das botas vitorianas originais com cadarços e estão disponíveis em várias fontes. Algumas pessoas podem preferir botas feitas de materiais sintéticos em vez de couro, devido a considerações de custo ou preferência pessoal.
As botas femininas vitorianas vêm em dois estilos principais.
Estão disponíveis em cortes baixos e altos, com cores variadas como verde, vermelho e branco, embora preto e marrom continuem sendo as escolhas mais comuns. Os cadarços normalmente percorrem a frente do sapato, do pé até o topo da bota, e os saltos geralmente medem entre 2 a 3 centímetros de altura, em formato de ampulheta. A característica mais distintiva das botas vitorianas com cordões para mulheres é a ponta muito pontuda e estreita, o que pode exigir a compra de um tamanho maior do que o normal para garantir que os dedos não fiquem excessivamente comprimidos.
Esta tendência nos apresentará grandes designers como Vivienne Westwood e John Galliano.
CONCLUSÃO
As principais Semanas de Moda de Londres, Milão e Paris mostram a sua criatividade, refletindo as suas ricas histórias e jornadas. Cada cidade apresenta designers que se inspiram na história da moda e nas suas histórias pessoais – uma abordagem sincera, mas será que ainda é assim hoje? É incerto.
Devemos ter cuidado, pois a desejabilidade não é apenas uma tática de marketing. Se for, a marca ou casa de moda em questão pode não durar muito tempo.
A moda deve inspirar sonhos e continuar a ser um fenómeno social.
Não esqueçamos que a moda é a embaixadora mais glamorosa!
